如果每个展览都是一片森林

马君怡

2022-05-24 11:14:00

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“Radicant”被译为根茎植物,以此命名的全球首个国际策展合作社(International Curatorial Cooperative)——Radicants于今年一月成立,由法国著名策展人、作家Nicolas Bourriaud发起。这一创意策划平台与三十多位国际独立策展人合作,构思和制作广泛多样的项目。“我们不被任何地点所局限,就像我们的名字所代表的那样,如同根茎植物一般,在地上和地下同时生长、生根,像常春藤那样,我们可以介入地球上的任何角落,”Bourriaud在采访中这样解释合作社所表达的充满活力、韧性、适应度的创造热情。

Radicants的首个展览,便是由Nicolas Bourriaud亲自策划的“B星球:气候变化和新崇高”(Planet B: Climate Change & the New Sublime),通过“崇高”的概念探索了气候变化对当代艺术的冲击和影响。在第59届威尼斯艺术双年展期间,展览陆续在威尼斯圣马可广场一侧的波拉尼宫登场,共有来自17个国家的27位当代艺术家参与展览,并联手巴黎著名设计工作室M/M (Paris)创作Logo、展览海报、出版物等一系列视觉设计。


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“B星球:气候变化和新崇高”展览空间,展览海报、Logo、展览手册由M/M (Paris)设计

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“B星球:气候变化与新崇高”分为“每个展览都是一片森林”(Every exhibition is a forest, 4月20日至6月26日)、“查尔斯·达尔文和珊瑚礁”(Charles Darwin and the coral reefs, 7月8日至8月26日)以及“瑙鲁岛的悲惨死亡”(The tragic death of Nauru Island, 9月8日至11月27日)三幕,对应三种景观,表现了策展人所说的“当代崇高”的三个层面:完全式沉浸作为崇高的条件、时间性的崇高和灾难性的崇高。


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项目发起人、策展人Nicolas Bourriaud


正在进行中的是展览的第一幕名为“每个展览都是一片森林”,用艺术创造出许多平行生态系统,反映了造就当下世界现状的事件和理念;就像森林一样,展览生成一系列符号和意义,使参观者沉浸在一个包罗万象的空间中。森林一直是人类最殷切的导师。森林中的植被们根植于永恒,不会迷失于孤独,而是用所有生命力量追逐一个目标:实现那个常驻于心的独特法则,完善自身以实现自我。这一幕中汇集的作品强调了这种沉浸感,以各自的方式描绘了一个相互联系而迷失的世界:多领域的交融、有机与化学现象对人类社会的接管、植物的拟人化等等。


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展览空间墙面上是韩国艺术家梁慧圭的墙纸

前方是美国艺术家Max Hooper Schneider《无题(柠檬池)》


展厅中首先映入眼帘的是韩国艺术家梁慧圭的墙纸,图案塑造了一片奇幻森林,同样包含三个章节对应此次展览的三幕,在扁平化中构建一个新的空间。在这片带有未来主义迷幻色彩的茂密丛林上,宏观和微观生物在相反的轨迹上肆意迁移。以此为背景,美国艺术家Max Hooper Schneider《无题(柠檬池)》(Untitled(Lemon Pond), 2022)中玻璃制成的柠檬形象同时透着诱人与不详之兆。


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南非艺术家Bianca Bondi将对末日自然的遐想放进玻璃罩


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委内瑞拉艺术家Lucia Pizzani的拼贴作品《铠甲战士》


南非艺术家Bianca Bondi有机玻璃罩内的人造植被展现了对后世界末日景象的遐想;委内瑞拉艺术家Lucia Pizzani拥有生物学背景,在她拼贴作品《铠甲战士》(Acorazada Guerrera, 2020)中,艺术家本人的头像与蛇鳞交织而成的神秘面具共同浮现在雨林之上。“Acorazadas”在西班牙语中是带有女性指向后缀的“铠甲”。在Pizzani的项目中探寻面对外部世界进行自我保护的“第二层皮肤”。生物多样性是我们的避难所。作品中人与动植物的混合体,表达她幻想未来我们与周围的环境、生命合二为一,从此没有环境,也没有环境之外的人类。


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德国艺术家Dana-Fiona Armour的《MC1R项目》


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巴西艺术家Anna Bella Geiger的《Native Brazil - Alien Brazil》


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阿根廷生态艺术先驱Nicolas Uriburu在1968年威尼斯双年展试图将河水染绿。他希望通过艺术谴责自然与文明之间的对立,他认为最发达的国家正在破坏我们的水、地球与空气


德国艺术家Dana-Fiona Armour的《MC1R项目》(Project MC1R, 2022)以一排玻璃制成的紫色气生菌装置构成,赋予微观体神秘而不失浪漫的宏观再现。Armour认为在生物编辑(bio-editing)时代,人类、动物、植物、物体、合成材料和有机材料之间不再有任何真正的区别。“MC1R”展示一种微观的新陈代谢以及基因序列的重组,在她的作品中已经无法在“天然”和“人造”之间划出清晰的界限。巴西艺术家Anna Bella Geiger的一组作品在亚马逊丛林、土著文化和当地现代主义之间创造了一系列批判性的回声;而阿根廷生态艺术先驱Nicolas Uriburu的作品中同样可以找到类似的环保活动主义和前哥伦布文化的混合体,他通过绿色和红色酸液的混合,展示了自然界的异样景象,1968年威尼斯双年展中将大运河染绿的表演,正是Uriburu的艺术宣言。


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波兰艺术家Agnieszka Kurant的研究关劳动和创造力的未来、人类的转变以及监视资本主义的剥削。在《系统的反面》为白蚁提供了新的材料来建造,矿物结晶对她而言是符号、语言、小说或革命


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巴西艺术家Thiago Rocha Pitta专注于自然界中既透露着不祥又忧郁、小而情绪化的元素


此外,Bourriaud在采访中还特别提到了围绕集体智慧展开创作的波兰艺术家Agnieszka Kurant。在《系统的反面》(System’s Negative)系列中,艺术家为白蚁群落提供建造其家园的另类材料,最终,从巴洛克风格到极简主义,每个白蚁群都建造了不同风格的结构。在策展人看来,Kurant的艺术是自然与文明的结合体,展示了我们与非人类生物的交织和自然的无尽与复杂性。离这组作品不远的是巴西艺术家Thiago Rocha Pitta的画作,似乎上下颠倒的广阔风景中火、土、水等元素正交换着属性,这是一个被抹去地理坐标的世界,呼应着与失控相关的当代崇高。


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Phillip Zach用回收的材料制成坚硬的空壳,仿佛一个对空间、生态、化学和美学有重要意义的“壁龛”,他认为末世人类已经适应使用塑料等产物制造


随后将上演的第二幕“查尔斯·达尔文和珊瑚礁”呼应了达尔文在日记中提到的太平洋珊瑚环礁抵御海洋力量的壮丽:珊瑚是无数珊瑚虫日以继夜、经过几个世纪所积累的劳动果实,他在这种耐心、细致的建构之中看到了“崇高”。因此,这一幕中汇集的艺术家在各自的实践中强调耐心、长期与精准。在他们的创作中,微观和宏观、微小与浩瀚之间的隔阂已然消失,印证着当代艺术中的新崇高。


展览最后一幕“瑙鲁岛的悲惨死亡”则将为参观者讲述瑙鲁共和国的故事。上世纪七十年代,这个太平洋小岛因巨大的磷酸盐矿藏成为世界上人均最富裕的国家。仅仅二十多年后,过度开采和资源枯竭使该岛成为一片荒芜。这一幕作为整场展览的尾声是黑暗的,将以沥青般强烈的黑色为主色调。瑙鲁的生态灾难是一则灭绝和毁灭的寓言,表现了“崇高”的负面。

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2014年,Bourriaud在中国台北策划了第一个以围绕人类世(anthropocene)的双年展“大加速”(The Great acceleration),此后,相关主题在“碰撞试验”(Crash Test,2017年蒙彼利埃当代艺术馆)、“分子转向”(The Molecular Turn,2018年La Panacée艺术中心)和“第七大陆”(The 7th Continent,2019年伊斯坦布尔双年展)等一系列展览中得到探索和发展。“B星球”以崇高为线索,集合了Bourriaud多年研究结果,是上述所有主题的集大成者和最后篇章。


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Bourriaud在2014年第九届中国台北双年展上策划的展览“大加速”中的作品Surasi Kusolwong的《Golden Ghost》与Anicka Yi的《Le Pain Symbiotique》


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2019年伊斯坦布尔双年展“第七大陆”


1757年,哲学家Edmund Burke 将“崇高(Sublime)”定义为“掺杂着恐惧或迫近的危险的审美愉悦之感”。此后,康德完善了这一定义:“崇高”超越表现的力量,是不能被概念化乃至被塑造的;“崇高”与空虚、寂静和黑暗等迷失之感相关,是关于失控的。德国画家Caspar David Friedrich以其《雾海上的旅人》(Wanderer above the Sea of Fog, 1818)和英国画家J. M. W. Turner的《奴隶船》(Slave Ship, 1840)等作品是“浪漫主义崇高”的典范。到了二十世纪,“崇高”的概念与抽象艺术、与不可知和无形、以及Mark Rothko、Barnett Newman等艺术家联系在一起。


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上图:Caspar David Friedrich的《雾海上的旅人》

下图:J. M. W. Turner的《奴隶船》


当下,我们无法像Friedrich的旅人那般面对自然沉思,后者不再是人类活动的单纯背景或环境,我们沉浸其中,被包围在大气、土壤、海洋的网络中,并深刻感受着潜在的威胁:污染、水位上升、极端气候现象等等。Friedrich的好友、瑞士浪漫和象征主义艺术家Johann Heinrich Füssli的那句“我走进了一片无岸又无底的大海,”似乎更能表现我们的体验。而对气候变化的担忧反映在艺术家的实践中,并改变了他们的注视、感知和创作的形式。


在这种背景下,“崇高”的概念似乎适用于所有的当代艺术实践:“当代崇高”传达了人类对地球失去掌控的感觉,艺术家们沉浸在全球性的危险之中,对失格的空间、黑暗、恐怖和空虚进行探索。而当病毒、气体或温度等看不见的元素正推动着人类历史的进程,艺术家也更感兴趣于通过分子、粒子等微观成分来表现世界,Bourriaud将这样的分子艺术归结为对“崇高”的分解。

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作为最重要也是最负盛名的艺术双年展,威尼斯无疑是Radicants最佳的首展平台和跳板,“B星球:气候变暖和新崇高”的展览收益也将用于资助Radicants未来的项目,把聚光灯投向新兴艺术家和被艺术史遗漏的优秀艺术家。


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以色列艺术家、画家、作家与哲学家Bracha L. Ettinger

被认为是法国主要的女权主义理论家和国际艺术家,

由Noam Segal策划的新展将于明天在巴黎开幕


紧接着威尼斯,Radicants将于明天(5月24日)在巴黎玛黑区开放一个250平米的新空间,首先迎来由Noam Segal(这位来自纽约的策展人同时也是柏林双年展团队一员)策划的以色列艺术家Bracha L. Ettinger个展。Bourriaud提到,Ettinger的作品尚未得到充分的关注,而在他看来,Ettinger至少是和Miriam Cahn同等重要的当代艺术家。在这之后,Bourriaud将于6月3日在伦敦Paradise Row策划一个以液态作品为主题的群展“云点”(Cloud Point)。此外,Radicants策划的Bracha L. Ettinger和Nicolas Uriburu的博物馆回顾展,以及一个围绕关系艺术(Relational art)的群展“1+1”也已准备就绪。


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“B星球:气候变化和新崇高”展览现场


Radicants的创立初衷便是在于为独立策展人提供展览制作的自由和资源,正如Bourriaud所说,“艺术界在等待一种新的形式。特别是在疫情期间,我们就如何改变现状、提出新的形式举行了很多讨论,”Radicants因此应运而生。“我们的目标之一是在艺术市场中引入一个明显的变化:通过Radicants,策展人将首次成为艺术经济的一部分,因为他们在每笔交易或销售中都会得到一定比例的分成,”Bourriaud继续说道,“这对艺术机构来说也是一个改变,因为我们能够为博物馆或基金会提供内容,包括提议现成的展览计划,为他们提供文化定位或项目战略的建议。


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“B星球:气候变化和新崇高”展览现场的其他作品

上图:Anna Conway的《Desert》

下图:Ylva Snöfrid的系列作品《Xenia with Poppy Flower》


而就“B星球:气候变化和新崇高”的未来和Radicants在中国可能的合作,Bourriaud表示,“我们希望‘B星球’能在世界各地巡回展出,作为一个渐进式展览,不断发展、加入新作品,以探索当代崇高的其他方面。我们的想法是以季的形式做展览,就像电视连续剧那样,而不是一部已完结的电影……对我们的项目来说,中国是一个绝佳的机会。我知道中国现在在基础设施方面有很多优秀的博物馆和私人基金会,但没有足够的策展人才或内容创作者。而Radicants可以为中国带去的正是最尖端的文化内容、具体有效的发展概念和策展技能。”如果说“崇高”的当代演化在于再现一个不断缩小、一切距离和隔阂被不断打破的世界,那么Radicants对未来的展望无疑印证、补充了这一概念。


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“B星球:气候变化和新崇高”展览现场@mmparisdotcom


在《战争与和平》的后记中,列夫·托尔斯泰将当下比作被雾气笼罩的风景:我们只能看到模糊不清的形式和没有地标或界限的空间;只有当迷雾散去,在经历了一个时代之后,我们才能真正描述它。但有些人可以看得更清楚:艺术家便是能够在当下的迷雾中分辨出清晰形式的人,因为形式正是他们的领域。我们已能或多或少辨认出当下生存状况的基本要素:利润法则、生活的商品化、气候危机、对生命本身的漠视……这些要素不一定是当代艺术家需要处理的主题,却构成了他们实践的视野,以及形式世界和思维发展的背景。“B星球:气候变化和新崇高”便将话语权交由艺术家们,由他们带领我们拨开迷雾、看清所穿过的风景和在其中发生的事件。



文章来源:卷宗Wallpaper

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